¡a trabajar, hombre, a trabajar! proyectos artísticos de sebastián santana camargo

Aprovechando una mecha prendida por Gabriel Calderón, publico todas las imágenes y textos de la exposición Nonatos acá. Están con una licencia Creative Commons que permite usar los materiales de forma libre (pero sin fines de lucro, si desea hacer negocios, por favor escríbame a santana.sebastian@gmail.com). Además, los materiales se pueden adaptar.

Las imágenes acá están muy en baja, porque son las que tengo a mano. Si quiere alguna en mejor resolución, me escribe :)

Dos personajes sospechan del entorno y un posible complot hacia el que creen es un plan común, que se va dando a conocer lentamente, contado alternativamente por uno y otro actor, hasta que descubren que el opuesto es entre ellos, y no hay terceros que quieran o necesiten intervenir.

Un cuento de noche de invierno interpretado por niños o marionetas, en el que el personaje central busca su ultimo alimento mientras el sol llega. Una historia pequeña, equivalente a un corto cinematográfico.

Una puesta en escena abstracta donde se cuenta la historia de Jesucristo, no hay texto, no hay personas visibles, solamente formas y un sonido perpetuo que opera como aplanador del posible sonido ambiente accidental. La paleta se reduce a los colores planteados en el cartel, así como las formas y texturas, basándose en plástica expresionista abstracta.

Concepto elaborado en su inicio junto a Leonardo Turiansky para un espectáculo callejero donde los actores tienen un doble papel: representan personajes de un circo un tanto decadente, bastante pobre pero bien intencionado y con un nivel muy alto de elaboración teórica en los textos, por lo que el humor planteado es principalmente de palabra, no de gesto. El show que montan es la sección de clowns y malabaristas del circo, pero en este caso se aplica el concepto de riesgo, burla y abuso que se hace de la acción en un circo convencional al discurso, de forma que estos payasos transitan el borde de las filosofías, destruyen las elaboraciones sobre moral y ética y hacen malabares con las ideas superiores del alma humana. Fuera del espectáculo, los actores tienen un segundo papel, el de inmigrantes culturales, de manera que el espectáculo nunca se termina mientras existan espectadores (con espectadores me refiero a individuos ajenos a la lógica y realidad que plantea el espectáculo). Son éstos inmigrantes personas de un gran nivel cultural y humano, que lo único que aprendieron fue a ejercitar su intelecto, y tuvieron que abandonar su país al transformarse este en una gran masa de operarios (la población entera de ese país paso a ser la nomina de obreros manuales de otro, que en realidad es una empresa, pero eso es casi lo mismo). De todas maneras, estos exiliados tuvieron contacto con el trabajo manual antes de irse de su tierra, así que aunque siguen trabajando de lo que saben, están listos por si los solicitan, en la nueva patria, como mano de obra. Es por eso que debajo del vestuario para el circo llevan siempre una camisa blanca impecable, para estar lo más presentables posibles en caso de entrevista.

El centro del espectáculo es un individuo que permanece todo el tiempo de espaldas, sentado en una silla, que recibe innumerables personajes (a pesar suyo) quienes le cuentan los porques y pretensiones de sus actos. Estos actos son representados con marionetas frente al personaje, en una caja alta, mientras el individuo se los cuenta al confesor, y los sucesos que le van contando forman un entramado de hechos que acaban por destruir las relaciones que entre los personajes había al principio de la obra, relaciones que se explicarían a los espectadores en una instancia previa (descritos en el programa de mano, presentados como una maqueta de relaciones en el hall del teatro, en forma de escultura-instalación). Al final del espectáculo, se invita a los espectadores a pasar, de a uno, a contar al confesor en que punto pueden hacer inflexión sus acciones -las de cada espectador- en un colectivo que deberá explicitar previamente. De estas historias surgirán nuevos entramados para la puesta en escena, de manera que el espectáculo se modifica después de cada función. Debe preverse una única función semanal, de manera de tener tiempo para reelaborar el texto. Las funciones serian los días miércoles. El confesor jamás habla.

Basado en "El Rey Lear", de William Shakespeare. Unipersonal donde el protagonista une al rey y al bufón en una sola persona, se encuentra autoconfinado en sus memorias, evitando morir, escapando a lo que debería ser su final. Esquizofrénico, el bufón asoma para darle un poco de lucidez a los desvaríos -conscientes, por otro lado- del rey. El espacio es el ultimo piso de un local fabril, con ventanales grandes, algo de maquinaria en rincones, etc. el personaje permanece bastante tiempo en un solo lugar, ocasionalmente se dirige a una mesa donde tiene elementos que le ayudan a contar su historia. Detrás de el, una pantalla gigante recibe proyecciones de lo que sucede o no en el relato, imágenes abstractas, material de archivo, publicidad, etc, que destruyen las metáforas planteadas en el texto. De vez en cuando aparecen paginas enteras de lo que seria el texto de la obra, a modo de subtítulos contradictorios con lo que el personaje esta diciendo. La otra parte siempre aparece en las posibilidades de acción extra-actorales.

Sobre la naturaleza suplicante de la humanidad, un hato de personajes presentados en un escenario circular que esta al nivel del piso del publico y va descendiendo lentamente, quedando al final a unos 7 u 8 metros por debajo de los pies del aro que forma la platea. Cuando se encuentran en el punto mas bajo, los actores desaparecen en la penumbra y son proyectados, sobre los espectadores, en una pantalla circular, a 2 metros de altura de la cabeza del publico. Esta imagen es tomada desde arriba de los actores, de forma que la imagen proyectada los presenta "parados" en el techo.

Sobre el uso de la palabra como excreción y seducción, personajes que se sepultan unos a otros en sus palabras, se comen y se cagan mutuamente, adoptando las palabras del otro reinterpretando en acción lo que el personaje fagocitado estaba presentando como elaboración de texto. Las acciones son lentas, de seres comatosos, detenidos en la velocidad de las letras minúsculas. Probablemente termine un personaje solo en escena, no pudiendo decir mas nada, por temor a que los espectadores quieran comerlo.

Crease o no, idea surgida a partir de un sueño (pasa en las mejores familias, que le vamos a hacer). El personaje central surge de las intenciones de un colectivo que se reúne ocasionalmente a discutir sus problemas y su carencia absoluta de ánimos de solucionarlos. De estas reuniones se va creando un ser que, hecho de sí mismo y de sus semejantes, no tiene otra posibilidad, al ser conocedor de todos los posibles problemas antes que haber nacido, de resolverlos. Claro que nunca, hasta el final, sabe de su existencia como posibilidad individual, y por lo tanto, como posibilidad de acción y error propia. Termina por desarmarse nuevamente, al encontrar que su conflicto, por ser ninguno, no tiene solución..

Historias sobre viejos y decadencia, no tengo muy claro que es lo que sucede, salvo que los actores rodean permanentemente a los espectadores, sin intevenirlos directamente, como si no estuviesen los unos para los otros y viceversa. Por el momento, una idea meramente formal.

Pedazos de historias contadas a través de momentos de acciones, el espectáculo comienza como un drama general, una historia de traiciones entre socios comerciales, amantes, hermanos, razas, y va encuadrándose en pequeños focos de acción, los sucesos mínimos.

El reencuadre incluye a las palabras, de manera que lo ultimo que se muestra es una mínima acción, sin palabras. Los espectadores van recorriendo junto a los actores una casa con múltiples aberturas (hay acciones en casas contiguas, que se ven a través de las ventanas, y en sitios remotos, mostrados a través de televisores, fotografías y narrados en forma de diálogos de salón de chat presentados en un monitor de pc) que van siendo cada vez más pequeñas, hasta que la ultima escena es presenciada, por turnos, a través de la mirilla de una puerta.

Una colección de historias de amor estridentemente estúpidas, rápidas y graciosas, tolerables únicamente por la velocidad con que se plantean y por los finales, exponencialmente dramáticos uno respecto al anterior, de manera de que al final la comedia hiperliviana y rápida que se inicio acaba siendo un drama igualmente rápido pero terriblemente trágico. Todo culmina en abandono, no por muerte, sino por cansancio.

Acerca del cuerpo, los hechos cotidianos de este y el destino final de la carne. El titulo también refiere a la palabra latina res que, espero recordar bien, significa hecho, suceso. De todas formas este espectáculo parte de la premisa "res, non verba", así que el posible error de traducción redimensionaría las intenciones del espectáculo, ya que la raíz final de este es la frase en sí, no el fragmento. El espacio, una sala de cirugía, morgue o cocina, lo que fuere con azulejos blancos, ventanas con vidrios esmerilados o con relieve y mobiliario de metal. Los elementos plásticos son blancos, rosados y cromados.

La historia de un negocio mostrado en 3 escenarios simultáneos: ambos contratantes y el resultado de lo que estos soliloquios plantean en el momento de ser dichos. La escena central es una carnicería moral y física, que va modificándose hasta convertirse en una escena de amor de la más pura idealidad y belleza al final del espectáculo, a medida que los personajes deben encontrarse para firmar por fin el acuerdo.

Los escenarios donde están ubicados son móviles, se van acercando el uno al otro por ambos lados del central, hasta que al quedar unidos los tres cuadros, se abren puertas de los extremos y los personajes se encuentran junto a la pareja del centro. En el final, los cuatro actores ser reúnen en una cena, invitando a los espectadores, sobre la que se proyectan las imágenes de lo que efectivamente sucederá después del contrato (la inicialmente presentada carnicería).

Un terreno árido, después de una batalla, donde nacen árboles invertidos y las personas que por allí pasan se llevan fragmentos de tormentas atadas a sus tobillos.

La historia es narrada por carroñeros que lo ven todo y esperan pacientemente que se desate alguno de los desastres cosechados. Debería estrenar en 2009, en un espacio abierto, al aire libre, en horarios de caída del sol, hasta que la noche no permita ver que esta sucediendo y los espectadores puedan solamente escuchar el final.